Les Grammys

Aug 18, 2023

Photo : Andy Pollitt

entretien

Alors que Jelly Roll entre officiellement sur le territoire national avec son dernier album, "Whitsitt Chapel", le rappeur devenu star de la country se sent comme un homme changé - et vise à donner de l'espoir à ceux qui se sentent perdus.

Lorsque Jelly Roll est allé à l'église pour la première fois avec sa fille, Bailee, il ne cherchait pas le salut. Mais alors qu'il était assis sur un banc d'église, il a réalisé que l'histoire de sa propre relation avec la rédemption et la religion était celle qu'il devait partager.

"En dehors de la religion, l'idée de pouvoir être racheté est juste une excellente idée. L'idée que qui nous étions n'est pas qui nous sommes est si puissante", a déclaré Jelly Roll à GRAMMY.com. "À ce moment-là, je me suis dit : 'Je veux écrire un album conceptuel, qui décrit en quelque sorte mon parcours religieux, mon parcours spirituel, mon parcours de rédemption, mon parcours de méfaits.""

Née Jason DeFord, Jelly Roll a passé une décennie dans et hors de la prison fédérale et a été incarcérée à la naissance de Bailee en 2008. Sa naissance a été un tournant pour la chanteuse, qui a commencé sa carrière musicale en tant que rappeur en 2011. Mais l'Antioche , originaire du Tennessee, a toujours aimé la musique country, et quand il a réalisé qu'il savait chanter, il s'est essayé à l'écriture de chansons country.

Ce qui a suivi est Whitsitt Chapel, le premier album country complet de Jelly Roll. Nommé d'après l'église où il a été baptisé à 14 ans, le LP est une dissection effacée, honnête et graveleuse - et parfois une condamnation - de sa propre histoire de vie et de sa relation complexe avec la religion. Qu'il implore "Que quelqu'un me sauve, moi de moi-même", sur "Save Me" ou qu'il réfléchisse à ce que signifie se montrer, dans "Hungover in a Church Pew", le type de religion de Jelly Roll est celui de la compréhension, du pardon et de la croissance. .

S'appuyant sur la brutalité de son précédent LP, Ballads of the Broken de 2021 - qui a valu à Jelly Roll son premier hit n ° 1 avec "Son of a Sinner" - Whitsitt Chapel présente Jelly Roll comme l'une des étoiles montantes les plus intrigantes de la musique country. Ses récits honnêtes de ses luttes – soutenus par une voix convaincante et granuleuse et des rythmes country-trap entraînants – transforment ses spectacles en direct en performances captivantes, créant une atmosphère presque religieuse pour les fans et le chanteur lui-même.

S'adressant à Grammy.com le jour de la sortie de Whitsitt Chapel, Jelly Roll a évoqué la réalisation de son dernier album, ses espoirs de réforme du système judiciaire et son propre voyage vers la rédemption.

Eh bien, tout d'abord, joyeux jour de sortie de l'album. Comment vous sentez-vous aujourd'hui?

Oh merci. C'est mieux qu'un anniversaire. C'est comme avoir un bal de promo dont tu es le roi. Je ne suis jamais allé à un bal, mais je suppose que c'est le sentiment.

Vous avez vendu le Ryman Auditorium cette semaine pour votre émission de sortie. Et j'ai entendu quelques personnes décrire cette émission comme un sentiment d'aller à l'église. Je suis curieux de savoir ce que ça fait de votre côté des choses.

Tu sais, mec, j'aime que les gens comparent ça à aller à l'église. Parce que j'ai l'impression que c'est comme ça qu'on essaie de faire tous les concerts. Je dis toujours que mes spectacles sont un peu de hip-hop, un peu de rock, beaucoup de country et un peu d'un renouveau de la tente de la route secondaire.

Nous mélangeons tous les vieux trucs et les nouveaux trucs. Donc par défaut, il y a beaucoup de croisement de genre. Mais la renaissance de la tente de la route secondaire n'est qu'une sorte de thème de l'ensemble du projet. C'est ce vieux jeu "Allons à l'église, soyons un peu tapageurs, mettons un peu de feu de l'enfer et de soufre ici." Et tout bon sermon du dimanche a des hauts et des bas, des moments où vous pleurez, des moments où vous êtes heureux, des moments où vous avez peur, des moments où vous êtes excité, et nous essayons simplement de recréer cela dans le spectacle.

Avez-vous eu l'impression d'être là-haut en train de prêcher ?

Je pense que la musique fait la prédication, je parle juste. Vous savez ce que je veux dire? Je pense que la musique est le sermon, je ne suis que le diacre.

Quand avez-vous réellement commencé à rapper et à le partager avec les gens ?

J'ai probablement écrit mon premier rap quand j'avais 10 ans, peut-être 11 ou 12 ans. Et je l'ai immédiatement partagé avec ma famille. Comme n'a pas hésité. Le premier rap que j'ai écrit était vraiment nul. Et j'ai couru en bas avec une grande fierté, les gens se sont rassemblés autour de la table de la cuisine, et je les ai regardés agir comme si c'était décent.

Comme le fait la famille. Alors, comment avez-vous fait le changement pour faire de la musique country ?

J'ai toujours voulu faire de la musique country parce que je suis juste un fan de musique country. Et j'ai l'impression que "trois accords et la vérité" a toujours été la prémisse de ma musique. Je ne savais pas que je pouvais chanter. Si quelqu'un m'avait dit que j'avais une voix de chanteur cool quand j'avais 20 ans, je ne pouvais pas imaginer où en serait cette chose maintenant. J'étais, genre, dans la mi-trentaine quand j'ai découvert que je pouvais chanter.

Je faisais du karaoké et nous faisions du Bob Seger, "Old Time Rock and Roll". Je suis sorti de scène. Et un producteur était comme, "Mec, tu dois faire une chanson où tu chantes." Et je me suis dit : "J'aurais fait ça il y a 20 ans si j'avais pensé que je pouvais chanter, je suis un mauvais chanteur." Il est comme, "Pas ce que je viens d'entendre." J'ai commencé à y travailler, et vous pouvez voir que j'ai cet album Whitsitt Chapel, c'est la première fois que vous pouvez entendre à quel point je suis à l'aise avec ma voix.

L'écriture des chansons et tout, la musique a évolué. Comme je le dis, la musique a suivi l'homme : l'homme a changé et puis la musique a changé, ce gros vieux tas d'ions humains vient de traîner la musique avec moi, partout où je me suis retrouvé au micro.

Après ce moment de karaoké, vous avez sorti "Save Me", que je considère comme votre passerelle vers la musique country.

C'était le grand pont, c'était en 2020, et c'est à ce moment-là qu'il a commencé à se mettre en place. Mais vous voulez parler de grands liens en tant que chanteur - j'ai dû réapprendre à chanter "Save Me" cette année. C'est la première fois que je raconte cette histoire. Quand j'ai appris à chanter "Save Me", c'était le registre le plus haut que je pouvais chanter, j'atteignais chaque note. Maintenant, je peux chanter des octaves au-dessus. Maintenant que je chante plus haut, j'ai dû apprendre à m'adapter à la tonalité réelle de la chanson.

Cela ressemble un peu à une surprise.

C'etait intéressant. Je n'avais pas réalisé à quel point j'avais obtenu au cours de la dernière année ou deux. Mais c'était amusant. C'était cool. Parce que j'apprends, je suis encore novice dans ce domaine. Je pense que c'est aussi pour ça que je suis si excité, c'est que je comprends vraiment un peu plus la théorie de la musique. Je comprends mieux la structure des accords. Je comprends les touches, l'octave, la hauteur, le contrôle. Ce sont des choses dont je n'avais aucune idée quand j'ai fait "Save Me".

Étudiez-vous le solfège dans le cadre de cette transition ?

Non, je joue juste un peu de guitare quand je peux, je fais beaucoup plus de trucs acoustiques. Ma fille joue un peu de piano, un peu de guitare. Alors j'essaie juste d'absorber tout ce que je peux.

Je pense que la religion peut faire beaucoup de choses différentes. Et c'est assez central à Whitsitt Chapel. Pouvez-vous me parler un peu de votre relation avec la religion ?

Je suis vraiment, vraiment, vraiment contre la religion. Je ne suis pas très religieux du tout. Mais je crois définitivement en la spiritualité. J'ai eu cette pensée, comment je regarde l'église et comment je vois l'église maintenant est différente de ce que je n'ai jamais vu. J'ai réalisé que c'était un groupe de personnes qui se rendaient dans un endroit pour tenter de construire une communauté, de demander pardon et d'être meilleur.

Et quand c'est bien fait, je me fiche de ce que vous pensez de Jésus, de Dieu, d'Allah, de tout ça, c'est un concept incroyable, n'est-ce pas ? Que les gens viennent ici avec l'idée de faire mieux, d'être meilleur et de communauté. Et en regardant cela en tant qu'adulte - parce que j'étais en colère contre l'église depuis longtemps, je pense qu'ils ont parfois mal décrit Jésus - mais en comprenant et en y revenant, je vois quel en est l'esprit.

Mais ensuite, vous écrivez aussi des lignes, comme "Je ne parle à Dieu que lorsque j'ai besoin d'une faveur." Pouvez-vous me rectifier la tension réelle dans cette ligne, avec ce que vous venez de me dire ?

Eh bien, c'était un jour assis au fond d'une église et j'écoutais de la musique d'adoration. Et ne pas être en mesure de m'identifier à cela et où j'en suis avec ma marche et ma spiritualité. Et vous le regardez de ce point de vue, et vous vous dites : « Quel est mon lien, comment sonnerait ma chanson à Dieu ?

Et j'ai l'impression que c'est, "Je ne parle à Dieu que quand j'ai besoin d'une faveur. Je prie seulement quand je n'ai pas de prière." La troisième ligne de ["Besoin d'une faveur"], pour moi, est la ligne la plus puissante, "Alors qui suis-je, qui suis-je pour espérer être sauvé?" Pensez juste au mot "attendre" dans cette ligne, le droit de cela. C'était juste être honnête sur la façon dont je vois l'église, et puis il y a ma marche personnelle avec Dieu, et ils sont définitivement différents. Donc pour moi, c'était essayer de créer cette musique avec cet esprit.

Alors comment en es-tu venu à nommer cet album pour l'église de ton enfance ?

Eh bien, ça a commencé quand je suis allé avec Bailee à son église. Alors Bailee est ma fille, elle avait 14 ans, quand elle a commencé à aller à l'église, elle avait fait allusion au fait de vouloir se faire baptiser. [Je pensais], eh bien, je devrais aller voir dans quel genre de culte elle va, parce que c'est comme ça que je voyais l'église à cette époque. Et puis j'y suis allé, et cela m'a rappelé l'authenticité qui peut aussi être dans ces murs. Je me suis souvenu de l'humanité et de la compassion et du pardon, de l'amour et de la communauté, plus que tout en la regardant, elle et tous ses amis là-bas.

Et j'avais commencé à penser à où j'étais quand j'avais 14 ans. Je vais aussi dans une petite église, sur une petite route secondaire sur une colline, il y a juste ces petits parallèles. Bailee a expérimenté et touché à la marijuana pour la première fois, je l'ai attrapée récemment. À peu près au même âge, je barbotais dans la marijuana et les ennuis. C'était juste réflexif.

Et puis vous commencez à penser à la rédemption. En dehors de la religion, l'idée de pouvoir être racheté est juste une excellente idée. L'idée que qui nous étions n'est pas qui nous sommes est si puissante. À ce moment-là, je me disais : "Je veux écrire un album conceptuel, qui décrit en quelque sorte mon parcours religieux, mon parcours spirituel, mon parcours de rédemption, mon parcours de méfaits." [C'est] mon point de vue sur toutes ces choses, d'un gamin de 14 ans qui se fait baptiser à Whitsitt Chapel à l'homme de 39 ans qui vient de voir son fils de 14 ans se faire baptiser.

Et je pense que 14 ans a été une année assez importante pour vous, du moins une année compliquée pour vous. Votre fille a 14 ans, quel impact cela a-t-il eu sur vous ?

C'est ce qui m'a donné envie de passer à l'action. La même année où je me suis fait baptiser, j'ai été arrêté, et cela a commencé ce qui allait être un cycle de 10 ans d'incarcération de part et d'autre. Et elle est dans un bien meilleur endroit. Elle est tellement meilleure que j'aurais pu l'être à cet âge, ou que je ne le serai probablement jamais. Mais c'est aussi ce qui l'a drogué, parce que je sais que ce sont les années. Je parle tout le temps aux gens. Ils sont comme, "Quelles sont selon vous les années les plus importantes de la parentalité?" Je dis "Tous les jours. Mais s'il y a une fenêtre, c'est de 14h à 18h."

Et au spectacle de Ryman, vous avez parlé de retourner à Whitsitt Chapel pour parler à votre pasteur. Que s'est-il passé lorsque vous êtes revenu, et qu'est-ce qu'ils pensent que vous ayez donné son nom à l'album ?

Cela m'a redonné confiance. Ils ont sorti mes dossiers et envoyé une photo de mon écriture, Jason, 14 ans, demandant à être baptisé - vous devez remplir une carte. Et cette église a gardé ce record pendant 24 ans. Fou, non? Donc, à ce moment-là, je me dis, je veux les rencontrer, pouvons-nous les aimer un peu? Je voulais aller m'asseoir et rencontrer le pasteur Ken, et rencontrer le reste de son équipe.

J'ai hâte d'entendre ce qu'ils pensent de l'ensemble de l'album. Je leur ai joué quelques chansons qu'ils ont adorées. Leurs mots exacts étaient "Mec, nous sommes juste heureux qu'il pense à nous. Nous pensons à lui, nous l'aimons. Nous prions pour lui. Nous sommes fiers de lui."

Mon objectif dans les prochaines semaines est de les surprendre, en passant un dimanche. Je devrais peut-être y aller ce dimanche.

Il y a un certain quelque chose dans ce timing n'est-ce pas ?

Oui, il y a quelque chose d'ironique là-dedans.

Maintenant que vous avez sorti un album country, vous voyez-vous pleinement comme un artiste country ?

Je me considère définitivement comme un artiste country. 100 pourcent. Ma femme m'a dit un jour que même si je chantais "Amazing Grace" n'importe où au nord de l'Ohio, elle disait que les gens diraient que j'étais country. Elle est comme "Tu ne penses peut-être pas que tu sonnes country quand tu chantes, mais je viens de Las Vegas et tu sonnes country. Quand tu chantes des chansons dans la maison, comme une chanson de Katy Perry ou quelque chose dans la maison qui te rend fou son pays." Ma femme m'a toujours harcelé à ce sujet.

Eh bien, la blague pourrait être sur elle, si vous sortez un album country maintenant.

N'est-ce pas génial? Elle aime ça. Ce qu'elle préfère, c'est quand elle parle de ma voix traînante, quand elle fait l'impression de son mari, c'est la meilleure.

Pour qui avez-vous écrit ces chansons ?

J'ai écrit ces chansons pour quiconque s'occupe de la dualité de la vie. Revenons à ce service du dimanche, je suis sorti et je me suis trop servi, bien des samedis. Bien des dimanches matins, je me suis encore réveillé et je me suis présenté, et c'est la dualité de l'homme.

C'est une sorte de "Son of a Sinner" à nouveau. C'est toujours quelque part entre avoir raison et tort, parce que je pense que c'est exactement l'endroit où je vis. Je sais que mon cœur est pur. Je sais que mon esprit est bon. Je sais aussi que je fais des blagues vraiment politiquement incorrectes. Et faire la fête parfois, et je suis un peu stupide et scandaleux. Mais je sais aussi que mon cœur est d'être un homme de service et d'aider les gens. J'écris donc pour ce genre de personnes, le poète en difficulté de l'homme brisé. Toujours essayer d'être la voix des sans-voix.

Et vous terminez vraiment l'album à cet endroit, "Hungover in a Church Pew", n'est-ce pas ?

Oui, c'était important dans l'album de cette façon, parce que j'en avais besoin. Parce qu'il y a des moments où ça sonnerait comme "The Lost": "Je suis connu pour trouver mon genre de personnes / Ils ne sont pas chez eux sous les clochers des églises." Mais même à travers tout ce voyage de cet album, tous "Hold on Me", ma lutte contre l'alcool, ma chanson d'amour à ma femme, "Save Me", "Need a Favor", "Dance with the Devil". Même après tout cela, j'ai toujours trouvé mon chemin vers ce genre de gueule de bois optimiste, à mi-tempo, "rayon de soleil sur ce vitrail, le prédicateur prêchant ce feu et ce soufre". Donc pour moi, c'était cool, parce que je me disais : "J'ai entendu ton feu et ton soufre." Je cherche toujours la rédemption.

Et ce milieu de la route aussi, un pied à deux endroits, n'est-ce pas ?

Exactement.

Je suis curieux d'en savoir plus sur votre histoire. Vous êtes vraiment ouvert sur le fait d'être un forçat. Et c'est quelque chose qui est au cœur de votre identité. Je suis curieux du choix de garder cela au premier plan de votre identité.

Eh bien, je m'en souviens tout le temps. Donc je pense que c'est mon objectif maintenant alors qu'on me rappelle constamment que je veux rappeler aux gens que vous pouvez changer. J'ai essayé d'acheter une maison il y a quatre mois, et j'ai été refusé à cause de mes crimes. Je m'en occupe encore aujourd'hui.

Je pense qu'il s'agit plus maintenant d'essayer d'attirer l'attention sur la cause, d'avoir une sorte de réforme de la justice. Mes crimes qui sont inexpugnables, que j'ai eus quand j'avais 16 ans. Vous savez, je ne pensais pas comme un homme qui aurait dû le lui reprocher depuis une vingtaine d'années.

Alors, que voulez-vous que les gens comprennent à ce sujet ?

Je pense que nous devons simplement réexaminer le système juvénile, si nous concentrons nos efforts sur la discipline ou la réhabilitation. Et je pense que cela se répercute également sur la pandémie de toxicomanie en Amérique. Concentrons-nous correctement notre attention sur la réadaptation? Trouvons-nous encore des moyens alternatifs ? Pouvons-nous accepter que la guerre contre la drogue soit une guerre que nous avons perdue ? Mon histoire est juste une tentative d'attirer l'attention sur ces sujets. Et mon truc, c'est que je ne pense pas que ce soit une taille unique pour tout le monde. Comme, même jusqu'à mon crime, je pense que ces choses devraient être au cas par cas.

Vous avez fini par faire don de votre produit de votre récent spectacle Bridgestone Arena. Était-ce à une variété de programmes pour les jeunes ou au centre de détention pour mineurs où vous étiez incarcéré ?

Nous avons construit un studio au centre de détention où j'étais, nous avons également accordé des bourses à certains lycéens locaux. Je ne voulais pas limiter les jeunes à risque aux seuls enfants incarcérés. Parce que je crois qu'il y a des enfants à risque qui n'ont pas encore pris cette décision, mais qui ne savent pas non plus comment ils iront à l'université. Je veux aider ces problèmes aussi.

Quel est votre espoir pour ce que cet argent peut faire?

J'espère que cela créera un espace sûr où les enfants pourront créer de la musique et s'exprimer. Mais c'est plus important pour moi dans la mesure où j'ai un plan sur 10 ans ici que je veux changer. Je veux ouvrir des foyers de groupe, éventuellement, je veux ouvrir des programmes de suivi, des centres communautaires. Je veux apporter d'autres métiers dans l'établissement pour mineurs où j'étais. J'ai commencé par la musique parce que c'est ce que je connais. Mais j'espère intégrer le barbier et la soudure, tout ce que je peux apporter pour aider ces enfants à réaliser qu'ils pourraient avoir une autre façon de s'y prendre.

Est-ce à cause du chemin parcouru ?

Je pense que c'est à cause du chemin que j'ai parcouru et de ma capacité à redonner. Je veux aider. Qui êtes-vous si votre vie a radicalement changé et que vous n'essayez pas d'aider ?

Vous sentez-vous comme une personne différente de celle où vous avez commencé à faire de la musique ?

Je suis une personne tellement différente. Vous pouvez l'entendre dans la musique. Vous pouvez le voir dans le témoignage. Merde, je suis fier de dire que je vais mieux aujourd'hui qu'il y a une semaine. J'ai consciemment pris des décisions et des choix et j'ai réalisé des choses qui me manquaient. Je fais mon inventaire tous les jours.

C'est juste l'idée que j'ai apprise à travers différents programmes, le concept de regarder les choses en arrière et de faire chaque jour un inventaire : « Ai-je été gentil ? Est-ce que je m'en souciais ? Qu'ai-je fait qui ne me semblait pas juste ? Je regrette d'avoir dit ? N'ai-je pas appelé quelqu'un ? N'ai-je pas dit quelque chose que j'aurais dû dire ? Cela vous gardera reconnaissant. Cela vous gardera également humble. Parce que parfois l'inventaire est juste, "De quoi suis-je reconnaissant ? Que s'est-il passé au cours des dernières 24 heures pour lequel je suis reconnaissant ?"

Eh bien, ces dernières 24 heures pourraient avoir quelques choses pour lesquelles vous pourriez être reconnaissant.

Whooo, ces dernières 24 heures sont bien remplies. Il va m'emmener jusqu'au week-end. J'ai maintenant droit à quelques conneries. Nah, je plaisante. C'est cet équilibre, non ? "C'est comme si d'accord, j'ai mérité une nuit d'insouciance."

Eh bien, dimanche arrive, n'est-ce pas ?

Amen.

Rencontrez Bailey Zimmerman, la plus grande nouvelle star du pays qui n'arrive toujours pas à croire qu'il est célèbre

Photo : Jason Kempin/Getty Images

fonctionnalité

Alors que 80 000 fans de musique country envahissent Nashville du 8 au 11 juin, les légendes du genre, les hitmakers et les nouveaux venus célèbrent le 50e anniversaire du CMA Fest en revisitant leurs moments préférés sur et hors scène.

C'est là que les fans ont été pris entre les feux d'une stupide guerre des cordes entre Tracy Lawrence et Kenny Chesney. C'est là que Garth Brooks a signé des autographes en continu pendant 23 heures d'affilée. C'est là que Craig Morgan a rencontré Miranda Lambert pour la première fois alors qu'elle n'était qu'une jeune fan, et où Patty Loveless a fait la queue pour obtenir un autographe du futur collaborateur Vince Gill. C'est là que Lainey Wilson a réalisé que la musique country était ce pour quoi elle était née.

Cet endroit est CMA Music Fest, et cette année "The Ultimate Country Music Fan Experience" célèbre 50 ans de rassemblement de fans et d'artistes au cœur de la musique country, à Nashville, Tennessee. Initialement connu sous le nom de Fan Fair, l'événement a été créé par la radio WSM et la Country Music Association pour offrir aux fans leur propre expérience unique - bien qu'il s'agisse également d'un stratagème marketing intelligent pour empêcher les fans de planter la convention annuelle de disc-jockey de musique country, une industrie- seul événement annuel. Désormais, chaque année, plus de 80 000 amateurs de musique country du monde entier se rendent à Nashville pour voir leurs stars préférées.

La première Fan Fair en 1972 a attiré 5000 amateurs de musique country à l'auditorium municipal de Nashville, et en 1982, sa croissance a justifié un déménagement au parc des expositions de Nashville. En 2001, il a déménagé au centre-ville, occupant de nombreux emplacements, notamment le stade Nissan, le parc Riverfront et le Music City. Centre - devenant officiellement CMA Music Festival, puis CMA Fest.

"Le secret du succès du CMA Fest est la préservation de la Fan Fair originale", a déclaré Sarah Trahern, PDG de CMA, à GRAMMY.com. "La tradition et le lien unique entre les fans et les artistes sont célébrés tout au long de notre événement, et cela devient une partie importante de la carrière d'un artiste de pouvoir dire : 'J'ai joué au Riverfront Stage, ou j'ai joué au Nissan Stadium et j'ai fait partie de l'émission de télévision.' La magie de ce qu'est le CMA Fest aujourd'hui vient de l'histoire et du cœur qui ont été créés il y a cinq décennies."

Trahern a vu de première main à quel point le CMA Fest est important pour les fans, et l'un de ses points forts personnels chaque année provient des mises à niveau surprises des sièges. "Je me souviens précisément d'une année où nous avions changé la configuration du sol en raison de problèmes de gazon avec le stade, et une fan était particulièrement contrariée que nous ayons déplacé ses sièges même si nous l'avions déplacée dans une section plus proche", se souvient Trahern. "Nous avons découvert plus tard qu'elle avait apporté les cendres de son mari et en avait placé certaines sous son siège au stade parce qu'ils avaient l'habitude de venir ensemble au Fan Fair. Cela m'a réitéré le pouvoir de notre événement de vraiment devenir une partie des gens vies."

Cela fait également partie du tissu de la carrière des artistes country. CMA Fest est l'endroit où de nombreux artistes sont découverts, où ils se produisent pour la première fois, où ils célèbrent des réalisations marquantes et où ils créent des souvenirs inestimables avec les fans. Comme le dit Morgan, "Vous savez que lorsque vous vous produisez au CMA Fest, vous vous produisez pour ceux qui vous aiment le plus."

Avant que le CMA Fest ne lance sa 50e édition le 8 juin, certaines légendes et nouveaux venus de la musique country ont partagé leurs souvenirs les plus chers, hilarants et parfois embarrassants du CMA Fest.

Graham DeLoach : Jouer au CMA Fest pour la première fois a été pour le moins gratifiant. Nous avions vraiment affiné notre son et nous nous étions définis en tant qu'artistes, à la fois sur scène et en faisant un album en studio pendant les mois précédant le spectacle. Je me souviens qu'il a presque plu, mais quand le temps s'est dégagé et que nous sommes finalement montés sur scène, nous avons eu un moment déterminant en tant que groupe. Nous l'avons fait composer plus que jamais et nous jouons devant une vraie foule qui est venue écouter de la vraie musique. C'était un grand changement par rapport aux salles de bar que nous avions visitées à travers l'Amérique au cours des années précédentes. Ainsi, nous marquons notre premier festival CMA comme un moment déterminant pour A Thousand Horses.

Michaël Hobby : Mon souvenir préféré me ramène à 2015. Nous jouions sur la scène Chevy, juste à l'extérieur de l'arène Bridgestone à Nashville. Il faisait super chaud dehors et le soleil tapait sur tout le monde, mais l'atmosphère était toujours animée par l'excitation de tous les fans. Ce fut un moment énorme pour nous en tant que groupe. Notre premier album Southernality a été présenté au monde, et notre single "Smoke" venait juste d'être numéro 1. Je n'oublierai jamais d'entendre la foule nous chanter les paroles de toutes nos chansons, et l'album venait juste de sortir quelques jours. Ce jour-là avait tout ce que j'aime dans la musique - sa capacité à émouvoir les gens, à les rassembler et à créer ces moments partagés inoubliables.

Bill Satcher : Une année à un stand de dédicace, une fan nous a demandé de dédicacer et d'écrire le nom de notre groupe sur son bras. Après, elle nous a dit qu'elle allait se faire tatouer plus tard dans la journée. Effectivement, elle est revenue à la même cabine de dédicace l'année suivante et avait notre nom de groupe écrit à la main encré sur son bras.

Fan Fair a toujours été un moment spécial pour nous au début de notre carrière. Nous serions sur la route pour jouer des spectacles et notre mère, Frances, chargerait notre cousine Sylvia et mes deux fils aînés, Jesse et Noah, et se rendrait à Nashville pour décorer notre stand Fan Fair. Nous les rencontrions là-bas et passions les prochains jours à rencontrer et à saluer les fans pendant des heures chaque jour de l'événement.

Nous avons rencontré tellement d'artistes qui sont restés amis à ce jour. Nous avons même rencontré les Forester Sisters à la Fan Fair et avons fini par enregistrer un duo ensemble, "Too Much Is Not Enough", qui est devenu n°1.

Une fois la Fan Fair terminée, nous nous dirigions vers le June Jam de l'Alabama à Fort Payne. Nous apprécions également le CMA Fest, mais nous sommes généralement beaucoup en Europe à cette période chaque année, donc nous n'y allons pas autant qu'avant.

Notre mère vivait à cette époque de l'année. Elle a adoré monter notre stand et rencontrer tous les artistes nouveaux et anciens - en fait, je pense qu'elle connaissait probablement plus d'artistes que nous. Nous rencontrons encore des gens qui connaissaient notre mère depuis lors.

(LR) Frances Bellamy et Loretta Lynn à Fan Fair. Photo : Gracieuseté de David Bellamy

Les Oak Ridge Boys remontent au tout début de ce qui s'appelait alors Fan Fair. Mon plus beau souvenir de ces jours était de jouer en 1982 dans la foulée de "Elvira" et "Bobbie Sue". C'était incroyable de voir la foule aux spectacles et au stand de signature. Je suis reconnaissant que de temps en temps nous participions encore même après toutes ces années.

Ben Chism : C'est la première fois que nous jouons au CMA Fest. Cela signifie le monde pour moi, pour Chris, pour nos familles. Lorsque nous avons reçu cet e-mail disant que nous étions invités à jouer au CMA Fest, je l'ai dit à ma femme et elle a sauté de joie. Elle attend ça depuis 10 ans et moi aussi. Chris aussi. Nous avons de la famille qui vient de partout au pays pour regarder ce set de 25 minutes parce que cela signifie autant pour eux que pour nous.

C'est juste un sentiment incroyable d'aller là-bas et de rencontrer les gens au CMA Fest. C'est la chose la plus importante que moi et Chris avons toujours dite, c'est : "N'aie jamais peur de venir nous voir et de nous parler. Nous irons nous promener et nous parlerons toute la journée."

Chris Ramos : En tant que musicien grandissant, j'ai toujours pensé que ce serait la chose la plus cool de jouer au CMA Fest. C'est définitivement un moment déterminant pour ma carrière. Vous avez plusieurs personnes qui disent: "Le moment déterminant de ma carrière a été lorsque j'ai été la tête d'affiche du Nissan Stadium." Nous comprenons cela, mais en cours de route, c'est l'une de ces choses qui, quand cela se produit, est un élément de la liste de seaux. Je voulais juste prendre une minute et absorber le fait que nous avons été invités par le CMA à jouer au CMA Fest. Parlez des aspirations professionnelles en cours de réalisation !

Ma première expérience au CMA Fest était très non traditionnelle, car l'année dernière était ma toute première année, non seulement en tant que performeuse, mais aussi en tant que participante. J'ai eu le privilège de jouer sur la scène Chevy Riverfront et avec l'un de mes groupes préférés, Lady A, sur la scène principale. C'était une expérience folle.

Quelque chose de drôle s'est également produit avant la représentation de Chevy Riverfront - j'étais sur le point de monter sur scène et j'ai cassé mes lunettes. Je n'avais pas de paire de rechange, j'ai donc dû enfiler les lunettes de soleil de mon styliste pour la performance. Un si bon moment malgré tout!

Mon souvenir préféré jusqu'à présent du CMA Fest est de jouer à Ascend Amphitheatre avec mes camarades de label. Warner Music Nashville a réuni une programmation incroyable, et c'est un spectacle que je n'oublierai jamais. CMA Fest est si unique car il rassemble tant d'artistes et tant de fans en un seul endroit pour le week-end. C'est une opportunité incroyable de pouvoir interagir avec les fans et de créer des souvenirs que vous n'oublierez jamais. J'adore rencontrer des fans de tout le pays et entendre comment ils nous ont découverts au CMA Fest !

Ma première performance au CMA Fest a eu lieu en 2014 sur la scène CMA Close Up au Music City Center, et c'était incroyable. Même si l'émission Nashville avait été adoptée par les téléspectateurs et la ville de Nashville elle-même, cette performance était mon premier aperçu de sa popularité auprès du groupe qui comptait peut-être le plus : les fans de musique country. L'endroit était bondé, les fans étaient incroyables et je me sentais béni d'être là avec eux, jouant mes chansons et celles de Deacon aussi. Je souris encore rien que d'y penser.

Je peux facilement vous dire mon moment préféré. C'était en 2016. Comme tout le monde, j'avais récemment entendu la mauvaise nouvelle que Nashville, l'émission qui m'avait amené à Nashville et avait complètement changé ma vie, n'était pas reprise par ABC pour une cinquième saison. C'était une pilule difficile à avaler – pas seulement pour ceux d'entre nous qui travaillaient sur la série, mais pour les vrais Nashvilliens et les fans de musique country qui avaient tellement aimé la série.

Pour moi, ce n'était pas une mince consolation de monter sur la scène Riverfront ce jour-là pour jouer pour le CMA Fest. C'était un après-midi d'été chaud mais magnifique, et la berge était complètement couverte d'incroyables fans de Nashville qui, comme moi, ne semblaient pas tout à fait prêts à dire au revoir. Ils ont déversé leur amour – encore plus quand j'ai fait venir mes co-stars Clare Bowen et Chris Carmack pour chanter quelques chansons. Ils ont applaudi et chanté avec nous leurs chansons préférées du spectacle qu'ils avaient déjà tant manquées. C'était incroyablement mémorable.

Mais, ce qui l'a mis au-dessus - bien au-dessus - c'est quand Leslie Fram et Cody Alan de CMT se sont joints à moi et à mes amis sur scène pour une annonce surprise qu'en fait, Nashville ne se terminerait PAS. Pas encore! CMT le récupérait pour la saison 5 [et éventuellement pour la saison 6]. La foule s'est déchaînée. Et le spectacle a continué !

Jennifer et moi nous sommes mariés le 11 juin, donc notre anniversaire atterrirait très probablement pendant le Fan Fair/CMA Music Fest. L'un de nos premiers, sinon le premier anniversaire, j'étais à Fan Fair. Bien sûr, Jennifer était avec moi. Je travaille. C'était au parc des expositions. Nous venions de signer Juice Newton, et elle a découvert que c'était notre anniversaire. Elle a chanté "The Sweetest Thing" et nous l'a dédié. C'était plutôt cool et très gentil de sa part.

Je n'oublierai jamais la première nuit où j'ai atterri à Nashville. C'était le mardi du CMA Fest. Je suis descendu à Broadway et c'était comme si tous mes rêves musicaux de garçon Aussie-Country se réalisaient d'un coup !

Je me souviens de la première fois que j'ai eu un stand à la Fan Fair. C'était tellement excitant. Cette année-là, l'Alabama a été un énorme succès et les fans ont crié pour eux. Peu de temps après, mes disques ont atteint le sommet des charts et j'ai été booké pour ouvrir tous leurs concerts pendant quelques années. Quel frisson et quel énorme coup de pouce pour moi ! Tellement reconnaissant !

Une publication partagée par Vince Gill (@vincegillofficial)

Il y a longtemps, quand Fan Fair était encore au Tennessee State Fairgrounds, j'étais au stand de RCA Records en train de signer des autographes avec d'autres artistes. Cette femme est passée par la ligne, et je signais quelque chose pour elle, et je pense que nous avons pris une photo ensemble. Puis elle m'a dit : "On va enregistrer ensemble un jour." Et j'ai pensé "Bien d'accord." Il s'avère que cette femme était Patty Loveless ! Nous avons fini par chanter sur de nombreux disques les uns des autres, y compris nos premiers succès n ° 1. Elle a chanté des harmonies sur "When I Call Your Name" et j'ai chanté sur son single "Timber I'm Falling in Love".

Je me souviens très bien de ma toute première Fan Fair en 1995, car la file d'attente était si longue et je ne pouvais tout simplement pas y croire. Je pense que nous sommes restés huit heures à signer des autographes. J'étais étonné et tellement reconnaissant. J'étais encore un garçon de la campagne très jeune et naïf, et je me souviens juste que j'étais absolument époustouflé qu'il y ait autant de gens qui se tenaient là pour me rencontrer.

Les fans de country sont les meilleurs ! Je me souviens d'une année où j'ai mentionné quelque chose à propos d'être tellement parti en tournée, je n'avais pas le temps de rentrer chez moi et de laver mes chaussettes ou quelque chose comme ça et puis tout d'un coup, j'ai commencé à avoir des sous-vêtements et des chaussettes à tous les spectacles pour quelque temps. C'était assez drôle.

J'étais allé plusieurs fois au CMA Fest - qui s'appelait alors Fan Fair - avant de signer mon contrat d'enregistrement, mais 1995 était différent. Mon premier single "What Mattered Most" venait d'être numéro 1, et quand j'ai regardé cette foule de 60 000 personnes pour l'interpréter, je n'ai pas pu me retenir. Les larmes ont commencé à couler et c'était tout ce que je pouvais faire pour terminer la chanson. Pour entendre les gens me chanter mes paroles, il n'y a rien de tel, même aujourd'hui. Les mots ne peuvent pas le décrire.

HunterGirl (R) et sa mère au CMA Fest 2022. Photo : Avec l'aimable autorisation de HunterGirl

L'interaction la plus drôle avec les fans l'année dernière a eu lieu lors de la rencontre et de l'accueil au stand de signature. Quelqu'un est venu et m'a demandé de signer une photo, et j'ai baissé les yeux et c'était une vieille photo que j'utilisais pour promouvoir ma musique au lycée. Puis, l'un après l'autre, les gens n'arrêtaient pas d'apporter la même photo à signer, et j'ai demandé : "Où avez-vous trouvé ça ?" Ils disent tous, "la dame dans le coin arrière les distribuait." J'ai regardé et c'était ma mère qui les donnait à tous ceux qu'elle voyait. C'était comme si elle distribuait des mixtapes à Broadway. Je n'ai jamais autant ri. Ma maman est la meilleure.

La première année où j'ai fait le stade, c'était assez génial. Moi et Hank Jr. avons fait "Born To Boogie". C'était moi, lui et Justin Moore. C'était tout simplement génial parce que j'ai grandi en écoutant Hank Jr., et nous avions tourné ensemble, donc c'était une super camaraderie. Ensuite, j'ai fait "Buy Me A Boat" et il venait d'atteindre la première place, donc c'était un super moment.

J'ai eu beaucoup de rencontres amusantes avec les fans. Je suis assez facile à vivre, mais les gens ont parfois tellement peur de dire bonjour. Parfois, je le remarque, alors je vais simplement lancer la conversation parce que je peux dire qu'ils veulent dire bonjour ou veulent une photo ou quelque chose. Et je me dis toujours "Sois Luke Bryan", parce que Luke est toujours très gentil avec les gens. J'ai donc toujours essayé de me modeler sur des gens comme lui. Il est juste un excellent modèle pour cela. Traitez les gens comme vous voudriez être traité.

Donc, si je remarque que quelqu'un veut parler ou qu'il a l'air de vouloir une photo, mais qu'il est sur le point de me laisser passer parce qu'il ne veut pas me déranger, je lui dis simplement : "Hé, écoutez, vous n'êtes pas Nous sommes tous en train de mettre notre pantalon de la même manière ce matin et si vous voulez une photo, vous pouvez aussi bien l'obtenir maintenant. C'est le moment parfait. J'apprécie à quel point les gens sont respectueux dans 99% des cas, mais cela me fait aussi rire que ce n'est pas parce que je chante des chansons et que j'ai des tubes et que je suis aux yeux du public que je ne suis pas une personne normale. Je suis probablement plus normal que la plupart des gens que je connais, donc si vous me voyez là-bas, venez dire bonjour.

Mon souvenir préféré remonte à l'époque où elle s'appelait Fan Fair et se tenait au parc des expositions. Tous les artistes seraient assignés à un stand et nous serions là toute la journée qui consistait à signer pendant deux à trois heures plus des apparitions et des performances. Tous les artistes essaieraient de se surpasser avec la configuration de notre stand. On se faisait aussi des blagues. Une fois, Kenny Chesney et moi avons eu une bagarre de cordes idiote l'un en face de l'autre dans nos cabines.

La première fois que j'ai joué, c'était au parc des expositions en 1992. Ils ont installé la scène principale sur la piste de course et mon producteur, James Stroud, m'a offert une moto Harley bleue pour célébrer l'obtention de l'or par Sticks and Stones. Donc, ça n'a pas chié.

Tracy Lawrence à la Fan Fair 1992. Photo : Avec l'aimable autorisation de Tracy Lawrence

J'ai eu l'occasion de jouer avec Josh Turner lors de l'émission du stade la première fois que j'ai participé au CMA Music Fest, un moment que je n'oublierai jamais. Au fil des ans, j'ai fait beaucoup d'événements différents au CMA Music Fest et ça a toujours été amusant. Les fans qui assistent sont incroyables et la musique est vraiment à chaque coin de rue. Je suis heureux de faire partie de l'histoire du Festival de musique CMA. L'événement est vraiment mythique.

Les fans aiment la musique country et sont tellement dévoués. Ce dont je me souviens le mieux, c'est d'être assis là au stand Polygram/Mercury à la Fan Fair et d'y rester assis pendant environ deux heures et probablement de signer un autographe. Une fois, maman était là avec moi, et j'avais mes petits Sharpies devant moi et ma petite pile de photos et personne ne venait. Finalement, cet homme et cette femme ont regardé mon nom au-dessus de ma tête et m'ont regardé et se sont dirigés vers moi et maman a dit : "Préparez-vous ! Préparez-vous !" Et ils se sont dirigés vers moi. J'ai dit: "Puis-je vous aider?" et ils ont dit: "Savez-vous où se trouve la salle de bain?" C'était mon introduction à Fan Fair. [Des rires.]

De tous les genres auxquels j'ai participé – Broadway, la télévision, les films et la ligne de vêtements – tout le monde dit toujours à quel point les gens de la campagne sont gentils et à quel point les fans apprécient et les artistes sont de leurs fans. Donc, revenir au CMA Fest souligne à quel point les artistes apprécient leurs fans et les fans de musique country apprécient les artistes et les artistes. Je suis fier de faire partie de la musique country et de faire partie d'un groupe qui s'apprécie, et ils ne se prennent pas pour acquis.

Mes souvenirs préférés du CMA Fest sont les soirées Fan Club que je faisais avec ma mère. Elle s'est préparée pour eux des mois à l'avance et j'ai pu voir les fans lui apporter une telle joie avec leur amour. Merci pour ces souvenirs. Ils comptaient tellement pour nous deux.

Une année, j'ai joué au stade avec un plâtre à la jambe. Il y a une photo de moi quelque part, escaladant les poutres avec ma jambe cassée accrochée aux côtés du stade.

Une des années où j'ai joué au CMA Fest quand j'étais plus jeune, je me souviens d'une jeune femme qui m'a demandé un autographe. J'ai signé quelque chose pour elle et nous avons discuté pendant quelques minutes. Des années plus tard, cette jeune femme est devenue une grande vedette de la musique country : Miranda Lambert.

Je suis tellement excitée de me produire à nouveau au CMA Fest. L'année dernière, j'étais sur la scène Spotlight du Fan Fair X et c'était l'une des premières fois que j'entendais des fans me chanter mes chansons. Cette année, j'ai l'occasion de jouer à la Chevy Riverfront Stage et à la Nissan Stadium Platform Stage, ce qui est vraiment excitant !

Je ne peux pas penser à un autre événement où les fans viennent du monde entier pour écouter de la musique country en direct. C'est assez spécial de voir des gens de différents lieux culturels et géographiques se réunir pour partager leur amour pour leurs chansons et artistes préférés. J'ai hâte de vivre pleinement le CMA Fest pour la première fois et d'ajouter un peu de western à la programmation.

En savoir plus:Ian Munsick apporte l'Ouest au monde avec "White Buffalo"

Mon préféré était mon premier, ce qui, je crois, était la première fois que c'était au centre-ville. J'avais 21 ans et sur Mercury Records. Je portais un t-shirt Michael Jackson sans manches, emprunté à un ami à la maison. J'étais tellement nerveux, mais je me souviens que c'était vraiment la première fois que je jouais devant une foule de cette taille. J'étais plein d'adrénaline pendant des jours!

J'ai une longue histoire avec le CMA Fest, qui remonte à la fin des années 90, comme '96-'97. J'avais les cheveux longs et un chapeau de cow-boy. J'avais peut-être 18 ans au début de ma carrière. J'avais un stand. C'est comme ça que tu procédais à l'époque. Vous mettriez ces cabines dans ces bâtiments très chauds, et vous resteriez assis là à transpirer toute la journée et à dire : « S'il te plait, regarde-moi, regarde-moi ! Laisse-moi signer quelque chose pour toi dont tu ne te soucies pas ! " [Des rires.]

Ce sont mes souvenirs originaux de Fan Fair, et au fil des années avec CMA Fest, j'ai remarqué qu'il y a une ambiance vraiment différente autour de CMA Fest de nos jours. C'est un grand spectacle, un grand spectacle de stade qui a toujours été l'une de mes choses préférées à jouer.

Nous avons lancé "Tequila Makes Her Clothes Fall Off" devant 40 000 personnes au stade du CMA Fest, chanté sous la pluie je crois. J'ai beaucoup de bons souvenirs du CMA Fest qui s'est produit sur toutes les scènes, Riverfront, Stadium Stage, CMT Stage devant Bridgestone, et je me suis éclaté à tous. C'est ce qui est merveilleux avec le CMA Fest - vous avez tellement de fans qui font tellement de choses, vous allez trouver une foule formidable n'importe où.

Mon souvenir préféré du CMA Fest est au Nissan Stadium. Luke Bryan et moi avons en fait co-animé l'émission, et ce fut un moment tellement incroyable. Nous avons pu parler à tant d'artistes que je n'avais même pas vraiment rencontrés avant de répéter cela, et évidemment être co-animateur avec Luke était tellement amusant.

Au fil des ans, j'ai eu une tonne d'interactions amusantes avec les fans. Le plus embarrassant pour moi, cependant, s'est produit quand il y a eu un gars qui a dit: "Hé, tu peux venir signer ce truc pour moi?" Je pensais qu'il pointait sa moto, alors j'ai pris mon feutre et signé le pare-chocs de sa moto. Puis [mes frères] Reid et Neil m'ont fait remarquer qu'il pointait en fait le T-shirt posé sur sa moto. En fait, il ne m'a pas vu le faire en temps réel et je ne savais pas comment lui dire, alors j'ai juste rampé timidement dans le bus de tournée parce que je ne savais pas quoi faire.

J'ai été confondu avec Cody Johnson il y a quelques années par une grande foule de fans. Je suis juste allé avec. [Des rires.]

En tant que fan, [j'ai vu] Morgan Wallen se produire sous la pluie sur la scène Riverfront et c'était incroyable. Il n'avait que "Up Down" comme hit à l'époque, et cela me laisse toujours inspiré pour continuer à travailler et à grandir. Vous ne savez jamais où une chanson ou deux vous mèneront. En tant qu'artiste, jouer au stade l'année dernière – mon premier CMA Fest invité à jouer en tant qu'artiste – était si humiliant et une énorme vérification de la liste des choses à faire.

J'ai tellement de fans qui me demandent toujours de signer leurs bras et ensuite ils se font tatouer. C'est beaucoup de pression, mais hilarant en même temps. L'engagement est de niveau 10, toujours !

L'un de mes premiers souvenirs du CMA Fest est d'avoir vu Keith Urban jouer au stade quand j'avais environ 12 ans. J'étais jeune mais, à ce moment-là, je savais déjà que la musique allait être ma vie, alors j'y suis allé avec l'intention d'en apprendre autant que j'ai pu de son émission en direct.

Je me souviens très bien à quel point il a fait sentir ce stade massif. Il n'y a pas beaucoup d'artistes qui sont de si bons artistes que j'oublie de regarder en tant qu'artiste et que je tombe naturellement dans le fait de regarder en tant que fan, mais il en fait partie. Il est tellement attachant. Je me souviens avoir espéré avoir une chance de faire en sorte que beaucoup de gens ressentent cela à propos de ma musique un jour.

Les fans sont ce qui rend le CMA Fest si spécial. Ils sont incroyablement passionnés par la musique et les artistes. Il n'y a rien de tel. Ils vont au-delà pour vous, donc cela vous donne envie d'aller au-delà pour eux. L'un des premiers CMA Fests auxquels j'ai joué, il y avait un gars qui s'est présenté pour regarder chacune de mes performances avec un chapeau emoji caca. Vous ne pouviez pas le manquer. Je me souviens de ne pas avoir pu tenir le coup à chaque fois qu'il entrait. Juste la chose la plus ridiculement hilarante et nous nous sommes connectés dessus. Je ne l'ai toujours pas oublié.

Jeannie Seely signant des autographes lors de la première Fan Fair en 1972. Photo : Barry Amato

En repensant à la première Fan Fair, je me souviens à quel point j'étais excité de recevoir autant de fans merveilleux au même endroit ! C'était aussi excitant de pouvoir passer du temps avec tant d'autres artistes, dont certains que l'on ne voyait pas très souvent et d'autres que je n'avais même pas rencontrés. J'étais émerveillé de voir tout le monde jouer et fier de présenter notre nouveau spectacle avec Jack Greene.

Dottie West et moi avons passé un bon moment à poser l'un pour l'autre juste pour regarder les expressions perplexes sur les visages des gens alors qu'ils essayaient de comprendre. Nous avons même fait des promos radio pour certains des DJ les uns comme les autres. Il y avait une telle proximité entre les artistes à l'époque, et nous nous sommes tellement amusés ensemble. Fan Fair nous a aussi donné cette opportunité. Il y avait beaucoup d'histoires racontées, de tirage de guitare, de partage de vêtements et de bijoux et de souvenirs créés. Parfois, je me demande si les fans se sont aussi bien amusés que nous !

Mon meilleur souvenir du CMA Fest, c'est d'avoir pu jouer les différentes scènes. Ils sont tous cool à leur manière. J'ai commencé à jouer en acoustique solo au Fest, ce qui est amusant parce que ces fans viennent généralement écouter des artistes et des chansons qu'ils ne connaissent pas. Maintenant, nous allons jouer sur la scène Chevy Riverfront avec un groupe complet, et j'espère que la foule chantera mes chansons avec nous, ce qui est une telle fête !

L'une de nos premières visites à Nashville était pour le CMA Fest. Un de nos amis a fini par avoir deux billets supplémentaires pour le dernier jour des spectacles du stade, et il pleuvait à verse. Nous étions toujours aussi heureux d'être au Nissan Stadium avec 60 000 autres fans de musique country au festival le plus magique de tous les temps. Nous ne pouvions pas croire combien de personnes étaient là! Nous avons tenu des sacs poubelles au-dessus de nos têtes et avons chanté toutes les chansons country avec lesquelles nous avons grandi toute la nuit.

Nous avons récemment joué à Londres pour la première fois, et plusieurs personnes nous ont dit qu'elles étaient impatientes de nous voir jouer au CMA Fest. Cela a vraiment mis en perspective à quel point l'événement est mondial !

Mec, passer d'une personne à quelqu'un du jour au lendemain a changé la vie, puis aller directement au CMA Fest juste après avoir remporté American Idol. J'ai été choqué de voir combien de personnes m'ont reconnu, m'ont arrêté dans la rue et ont chanté ma chanson ! Une sensation incroyable que je n'oublierai jamais.

Mon expérience la plus mémorable au CMA Fest a été vraiment magique. Quelques instants avant que je sois sur le point de monter sur scène et de jouer en 2022, j'ai reçu l'appel que ma fille allait accoucher. Ce fut une vague d'émotions écrasante, sachant que ma famille s'agrandissait et que j'étais sur le point de devenir grand-parent. Ce moment m'a rempli d'un incroyable sentiment de joie, d'amour et d'anticipation. Cela m'a rappelé le pouvoir de la musique de rassembler les gens et de créer des souvenirs précieux qui dureront toute une vie.

J'allais chaque année au CMA Fest depuis l'âge de 14 ans. Mes parents m'y emmenaient pour que je puisse littéralement m'inspirer. Ils en feraient des vacances en famille vraiment juste pour moi. C'était comme la musique country de Noël pour moi et ma famille.

Quand j'ai enfin pu jouer au CMA Fest, cela ressemblait honnêtement à une de ces expériences hors du corps parce que j'en rêvais depuis si longtemps. Chaque été, nous y allions et je m'asseyais là. Je ne sautillerais pas d'excitation, et ma mère me regarderait et me dirait : « Est-ce que tu t'amuses ? La vérité est que je m'en imprégnais. Je n'étais pas en train de crier et de hurler. J'essayais juste d'apprendre et d'essayer de regarder les gens sur la scène Riverfront et sur la scène Hard Rock, puis d'aller au stade ce soir-là et de prendre des petits trucs et astuces. J'étais vraiment en train de m'éduquer et j'en ai adoré chaque minute, alors quand j'ai eu la chance de le faire moi-même, je me suis dit : "Dang ! Nous sommes arrivés !" Nous avons un long chemin à parcourir, mais nous allons dans la bonne direction.

La musique country rassemble les gens. Bien sûr, les festivals de musique country sont spéciaux partout où vous placez ces racines, mais il y a quelque chose de si magique à jouer pour les gens dans une ville où la musique a été faite, et l'équipe de personnes est là dans cette ville qui a poussé cette musique, qui a joué sur cette chanson. Tout le monde ressent cela lorsqu'ils arrivent en ville pour le CMA Fest. Vous le ressentez dans votre cœur d'une manière différente.

J'ai trop de souvenirs préférés pour compter, mais je devrai suivre l'année où nous avons relancé le Ernest Tubb Record Shop Midnite Jamboree, amenant Vince Gill, les frères Osborne, Brandy Clark, Eric Church et d'autres à la première musique country du monde. magasin de disques sur le bas de Broadway. La foule était entassée à l'intérieur, où la climatisation ne pouvait pas nous refroidir à plus de 115 degrés. Nous avions des flics à cheval devant pendant que nous fermions le CMA Fest trois nuits de suite. J'ai vu le soleil se lever ce samedi matin avant d'aller me coucher ! Enfin, le dimanche matin, c'était l'heure de ma fan party Donuts and Jam - et je l'ai à peine fait à temps, avec mon nouveau chiot à l'époque, Peggy Sue.

L'une de mes histoires préférées à raconter est celle de ma première année au CMA Fest en tant qu'artiste solo. J'étais un peu trop confiant dans ma popularité, voyez-vous. Un couple s'approchait de moi sur le trottoir, pointant son appareil photo comme s'il voulait une photo ensemble. Alors que je m'approchais d'eux pour prendre une photo et signer des autographes, ils m'ont pointé du doigt l'imitateur d'Elvis derrière moi et m'ont demandé : « Cela vous dérangerait-il de prendre notre photo avec Elvis ? [Rires.] Une leçon d'humilité, je vous dis !

CMA Fest est unique parce qu'il n'y a pas d'autre communauté comme la communauté de la musique country et aucun autre endroit comme Nashville. Toute notre entreprise repose sur la relation étroite entre les artistes et les fans, et le CMA Fest est essentiellement la journée portes ouvertes annuelle de Nashville. Vous pouvez sentir un esprit de gratitude, d'excitation et d'amour dans l'air. En tant que chanteur, je me rappelle à quel point j'ai de la chance d'être dans la musique country, et en tant que fan, je me rappelle à quel point j'ai de la chance d'avoir la musique country comme bande originale de ma vie.

Je ne suis pas venu à Nashville quand j'étais enfant parce que j'ai grandi dans le sud de la Californie, alors j'ai découvert le CMA Fest après avoir déménagé ici. Cela a toujours été une question de liste de choses à faire pour moi en tant qu'artiste. La première année où j'ai pu jouer, j'ai reçu un appel à la dernière minute m'informant que mon deuxième single "In Case You Didn't Know" était numéro 1 cette semaine-là. Je n'avais pas été réservé pour jouer au Nissan Stadium, mais ils m'ont dit : « Nous ne pouvons pas laisser la chanson n°1 du pays ne pas être jouée. Ils ont dit: "Nous savons que ce n'est que dans deux jours, mais est-ce que Brett jouerait la scène pop-up au milieu du stade Nissan pour cette chanson?" J'étais en Caroline du Nord à l'époque et la réponse était évidemment oui ! Nous sommes revenus en bus, j'ai surgi sur cette petite scène au milieu du terrain au stade Nissan et j'ai pu jouer la chanson n ° 1 du pays. C'était vraiment cool.

Mon souvenir préféré est probablement celui d'être enfant. C'était très important quand ma mère m'a emmené quand j'étais très jeune. Nous avions l'habitude d'y aller quand c'était de retour au parc des expositions.

La première fois que j'ai joué, c'était il y a très longtemps. C'était un tout petit spectacle acoustique. C'était très différent de jouer Riverfront jusqu'au stade. C'était définitivement quelque chose que j'attendais avec impatience, et je me souviens avoir pensé à quel point c'était cool d'être sur une scène du CMA Fest n'importe où.

Au-delà de Coachella : 10 petits festivals bien-aimés pour leurs vibrations locales et leurs énormes files d'attente

Photo : Peter Wafzig/Getty Images

liste

Sur leur album récemment sorti, "But Here We Are", Dave Grohl et sa compagnie offrent un confessionnal captivant à la fois d'une perte douloureuse et d'une résilience fulgurante. En l'honneur de leur 11e album, revisitez 10 des morceaux les plus incontournables des Foo Fighters.

Foo Fighters - l'un des piliers les plus importants du rock contemporain - possède une histoire presque mythique. Ce qui a commencé comme le groupe solo de Dave Grohl en 1994 après la fin dévastatrice de Nirvana est devenu une machine séminale avec un catalogue qui s'étend sur trois décennies.

Le groupe détient actuellement le record du plus grand nombre de victoires GRAMMY dans la catégorie Meilleur album rock, remportant des récompenses en 2000 (Il n'y a rien à perdre), 2003 (One By One), 2007 (Echoes, Silence, Patience & Grace), 2012 (Wasting Light) et 2022 (Médecine à minuit). Aux GRAMMY Awards 2023, Medicine at Midnight a également remporté les prix de la meilleure performance rock ("Making a Fire") et de la meilleure chanson rock ("Waiting on a War").

Leur 11e album studio récemment sorti, But Here We Are, est le premier projet de la facette après le décès du batteur et chanteur Taylor Hawkins l'année dernière. Hawkins, qui a rejoint Foo Fighters en 1997 et allait devenir une force créative motrice du groupe, a été pleuré par des musiciens et des fans du monde entier. Des concerts hommage à Londres et à Los Angeles présentés par la famille Hawkins en collaboration avec Foo ont gracieusement rendu hommage à son héritage.

Grohl et compagnie ont réussi à surmonter leur chagrin collectif sur But Here We Are. Le projet sert de confessionnal captivant à la fois d'une perte douloureuse et d'une résilience fulgurante. En l'honneur de leur dernier effort, GRAMMY.com répertorie 10 des morceaux les plus essentiels de Foo Fighters.

Sorti un an après la mort de Kurt Cobain, le premier album des Foo Fighters était plein de promesses. "Perdre Kurt a été bouleversant, et j'avais peur de la musique après sa mort", a-t-il déclaré à Anderson Cooper lors d'un épisode de "60 Minutes" en 2014.

Bien que Grohl ait insisté sur le fait que le disque n'était qu'un exutoire pour le chagrin, il a marqué le début de son illustre carrière. "Big Me", le dernier single sucré du projet, a prouvé que le batteur devenu leader avait le don de créer des morceaux accrocheurs qui deviendraient des succès indéniables.

La nature campy du morceau était le résultat du fait que Grohl n'avait pas beaucoup réfléchi à l'album, mais cette approche intrinsèquement simple – qui s'est répercutée sur la vidéo de la chanson qui parodiait les publicités de Mentos – était le début de quelque chose de génial.

L'un des moments les plus exaltants de Foo Fighters à ce jour se présente sous la forme d'une chanson d'amour. "Everlong", qui était le deuxième single du deuxième effort du groupe, attire les auditeurs avec ses accords doux et mélodiques, retenant leur attention avec des percussions étouffantes et un lyrisme déchirant.

"Everlong" parle d'être tellement en phase avec un partenaire romantique que la conclusion de cette relation est totalement dévastatrice. "Venez dépérir avec moi", chante sereinement Grohl. "A bas avec moi/Slow, comment tu voulais que ce soit/Je suis au-dessus de ma tête/Hors de sa tête, a-t-elle chanté." Il l'a interprété pour la première fois en acoustique en 1998 sur "The Howard Stern Show", qui, selon Grohl, "a donné à la chanson une toute nouvelle renaissance" lors d'une performance au Oates Song Fest 7908.

"Breakout" est apparu sur le troisième album du groupe, There Is Nothing Left To Lose, et est rempli d'une énergie punk frénétique qui canalise les racines grunge de Grohl. Alors que les critiques ont loué l'album et noté la progression notable des Foos vers des hymnes plus mélodiques, ce succès rapide et rapide reste digne du battage médiatique qu'il a reçu il y a plus de 20 ans.

Le morceau est également apparu dans le film comique de 2000 Me, Myself & Irene avec Jim Carrey, et plusieurs de ses stars apparaissent dans son clip vidéo. There Is Nothing Left To Lose a également stimulé le hit radio "Learn To Fly", qui a remporté le GRAMMY Award du meilleur clip vidéo en 2000.

Le quatrième album studio des Foo Fighters a marqué une période mouvementée dans l'histoire du groupe. Mis à part des problèmes personnels, Grohl venait d'enregistrer de la batterie pour Queens of the Stone Age 's Songs for the Deaf et a rejoint le groupe pour une tournée ultérieure.

Alors que le sort de Foo restait inconnu, une performance triomphale à Coachella en 2002 a donné aux membres une nouvelle perspective sur leur avenir. "" Times Like These "a essentiellement été écrit sur la disparition du groupe pendant ces deux ou trois mois et j'ai l'impression que je n'étais pas entièrement moi-même", a déclaré Grohl dans le documentaire Back and Forth du groupe en 2011. "Je me suis juste dit : 'D'accord, je n'ai pas fini d'être dans le groupe. Je ne sais pas s'ils le sont, mais ce n'est pas le cas.'"

Avec sa simplicité lyrique et sa sincérité paralysante ("C'est dans des moments comme ceux-ci que vous réapprenez à vivre/C'est dans des moments comme ceux-ci que vous donnez et redonnez"), la chanson est devenue l'incarnation de l'amour, de la solidarité et de l'espoir.

"J'ai une autre confession à faire / Je suis ton imbécile", hurle Dave Grohl à tue-tête lors de l'ouverture captivante de "Best of You". Sa déclaration est suivie de la proposition existentielle : « Es-tu né pour résister ou être abusé ?

Le premier single de In Your Honor est plein d'émotion, dans lequel le leader de Foo est provocateur et encourage ceux qui écoutent ses paroles à être pareils. Ce sentiment était politiquement motivé, car "Best of You" a été écrit après que Grohl ait fait plusieurs apparitions lors de la campagne présidentielle démocrate de 2004 pour John Kerry.

"Ce n'est pas un record politique, mais ce que j'ai vu m'a inspiré", a-t-il déclaré à Rolling Stone en 2005. "Il s'agit de rompre avec les choses qui vous enferment." "Best of You" est leur seule chanson aux États-Unis à avoir atteint le statut de platine.

L'une des chansons les mieux classées du groupe était "The Pretender", de 2007 Echoes, Silence, Patience & Grace. L'écriture de chansons de Grohl sur le morceau est de proportions macabres, alors que les accords solennels d'introduction cèdent la place aux paroles : "Envoyez vos squelettes/Chantez alors que leurs os recommencent à marcher/Ils ont besoin de vous enfouis profondément/Les secrets que vous gardez sont toujours prêts. "

Des riffs plus lourds et des percussions palpitantes en font une véritable expérience auditive. Des crescendos parfaitement rythmés sur "The Pretender" lui donnent juste ce qu'il faut de suspense, le rendant indélébile dans la discographie de Foo.

En 2012, Wasting Light a remporté quatre GRAMMY Awards, dont celui du meilleur album rock. "White Limo" a décroché le prix de la meilleure performance hard rock/métal - et pour une bonne raison.

Le deuxième single du septième album studio des Foo Fighters est un numéro féroce saturé de cris primaux et de rythmes tourbillonnants. "White Limo" était l'une de leurs chansons les plus bruyantes à ce jour et le groupe fait sa meilleure impression de Motorhead (l'apparition de Lemmy Kilmister dans le clip sert de sceau d'approbation ultime). Le groupe était intentionnel en maximisant son agressivité sur la piste de heavy metal, faisant de "White Limo" l'équivalent sonore d'un éclair dans leur immense catalogue.

Le Concrete and Gold de 2017 ne consistait pas autant à redéfinir la roue qu'à la perfectionner. Le neuvième album studio du groupe est aussi rock 'n' roll que possible.

Il y a eu de nombreuses apparitions mémorables, dont Paul McCartney dans "Sunday Rain", Shawn Stockman de Boyz II Men dans "Concrete & Gold" et Alison Mosshart des Kills dans "The Sky Is a Neighborhood" et "La Dee Da".

Le meilleur morceau de l'album, "Make It Right", présente un caméo non crédité et sonorement rebutant de Justin Timberlake. Pourtant, l'aventure de la collaboration dans un territoire plus lourd porte ses fruits, Grohl rendant hommage à Led Zeppelin. L'influence des légendes du rock transpire partout dans "Make It Right" sous la forme de railleries en lambeaux et de riffs éclatés. Timberlake se glisse en arrière-plan avec des voix supplémentaires, en veillant à ne modifier en aucune façon la formule de Foo.

Le 10e album des Foo Fighters, Medicine at Midnight, a été un retour en forme rafraîchissant pour les rockeurs.

Déclenché par une conversation de la fille de Grohl, "Waiting on a War" incarnait la réflexion du groupe sur l'avenir inquiétant de l'Amérique. Pendant quatre minutes, Grohl déclare qu'il "attend que le ciel tombe", bien que ses pensées mélancoliques se transforment finalement d'un chant mélancolique sur des accords de guitare acoustique en une outro féroce et grondante. L'approche audacieuse de Foo leur a valu un GRAMMY Award en 2022 pour la meilleure chanson rock.

La puissance de "Rescued", le premier single chargé d'émotion de But Here We Are, repose non seulement sur les paroles pour exprimer le sentiment de découragement, mais sur l'expression de Grohl.

"Nous sommes tous libres dans une certaine mesure/de danser sous les lumières", chante-t-il. "J'attends juste d'être sauvé/Ramenez-moi à la vie." Sa voix languit entre fatigue et vigueur alors que les guitares tourbillonnantes et les accumulations éthérées catharsisent à la fois le groupe et l'auditeur. La vulnérabilité de "Rescued" canalise l'intrigante conscience de soi entendue sur des albums comme The Colour and The Shape et In Your Honor. Mais cette chanson représente un tout nouveau chapitre pour Foo et c'est celui qui affronte leur douleur de front.

Les Foo Fighters sont un mastodonte musical indestructible. Mais la mort de Taylor Hawkins montre qu'ils sont aussi des êtres humains.

Photo: Caity Krone

entretien

Alors que Lizzy McAlpine termine l'étape américaine de sa tournée, la chanteuse "ceilings" revient sur sa chanson devenue virale, se produisant sur "The Tonight Show Starring Jimmy Fallon", en tête d'affiche d'une tournée à guichets fermés et signant avec une grande maison de disques .

Lizzy McAlpine est une conteuse talentueuse qui s'est fait connaître pour son écriture franche et pertinente dans des genres allant de la pop à l'indie folk. "Au fur et à mesure que j'ai grandi et évolué en tant qu'auteur-compositeur, j'ai pu laisser transparaître un peu plus la vulnérabilité et j'ai moins peur de dire exactement ce que je pense", dit-elle, parlant de Los Angeles via un appel Zoom.

Apparemment, les auditeurs apprécient son honnêteté.

McAlpine a transformé des centaines de millions d'auditeurs en fans dévoués depuis la sortie de son premier album, Give Me A Minute, en 2020. Après avoir présenté son deuxième album cinq secondes à plat, sa popularité semble avoir monté en flèche. Sa chanson à succès "ceilings" a culminé à la 54e place du classement Billboard Hot 100, a atteint 230 millions de flux et grimpé sur Spotify, a été certifiée Or et a inspiré un défi TikTok résultant en plus de 742 000 messages contenant une version accélérée de la chanson . Elle a récemment joué sur "The Tonight Show Starring Jimmy Fallon" et a signé avec RCA Records. La deuxième étape de sa tournée s'est vendue immédiatement.

"Même si les expériences que nous traversons tous sont universelles, cela peut sembler isolant lorsque vous êtes dans l'instant", déclare le musicien de 23 ans né à Philadelphie. "J'espère que les gens pourront se sentir moins seuls et avoir un exutoire sain pour exprimer leurs émotions en écoutant mes chansons."

Avec sa voix douce mais régulière, McAlpine chante d'un endroit où la plupart d'entre nous se sentent le moins à l'aise - un lieu d'incertitude, de contradiction et de découverte - qui se reflète dans des lignes comme "ce n'est pas que je te déteste, je déteste que ça fasse mal" et "J'essayais d'être honnête, mais maintenant je pense que j'aurais dû mentir." Instrumentalement, cinq secondes à plat sont superposées avec des éléments électroniques, des cordes, de la guitare, du piano, de la batterie et des cors. Mais McAlpine ne veut pas être catalogué dans un style : "Mes albums ne sont que le reflet de qui je suis à l'époque."

Après avoir terminé une tournée internationale de 27 spectacles le 11 septembre, McAlpine retournera en studio pour continuer à développer son troisième album – et travailler vers de nouveaux objectifs, notamment se remettre à jouer sur scène ou à l'écran ("Je vais littéralement prendre Ça me manque tellement »), en construisant un monde autour de son prochain album à travers des visuels et des expériences de fans, et en achetant une maison. Mais d'abord, elle a discuté de ses récents faits saillants de sa carrière avec GRAMMY.com.

J'ai été définitivement surpris. Je ne m'attends pas à ce qu'aucune de mes chansons ait des moments viraux. Si ça doit arriver, ça va arriver, et je ne vais pas le chasser ou essayer de le faire arriver. De plus, ce n'était pas un single, c'était juste sur l'album, et donc je ne m'attendais certainement pas à ce que cette chanson résonne autant qu'elle l'a fait avec les gens.

J'essaie d'écrire simplement sur des choses qui me sont arrivées. Apparemment, c'est universel - j'ai traversé des choses que tout le monde semble traverser, et je les ai mises en mots. Je pense tout le temps à mes sentiments. Je journal tout le temps; Je dois écrire sur un sentiment jusqu'à ce que je le comprenne. Cela fait partie de ce qu'est l'écriture de chansons, pour moi aussi. C'est écrire sur des choses que je ne comprends pas tant que je ne les comprends pas. Et j'ai l'impression que beaucoup de gens se connectent à cela.

Je n'ai pas d'expériences folles que personne d'autre n'a jamais eues dans sa vie auparavant. J'ai juste tendance à trouver des moyens de parler de ces choses que j'ai vécues, [qui sont] parfois des sentiments difficiles à mettre en mots, et d'une manière dont peu de gens ont parlé. Je pense que les gens se connectent à la réalité et à l'honnêteté.

[Remarquer la tendance TikTok "plafonds"] a été une chose progressive pour moi. Je ne me souviens plus quelle vidéo j'ai vue en premier, mais j'ai vu le son accéléré obtenir un peu de traction sur TikTok, puis j'ai commencé à voir les vidéos, et ça a fait boule de neige à partir de là. Je ne m'y attendais pas. C'était sauvage.

J'ai déjà fait le monde des talk-shows de fin de soirée, mais c'était la première expérience de talk-show que j'avais depuis au moins un an. Je me suis tellement amusé. Je deviens nerveux avant de jouer n'importe où; peu importe qui regarde. Mais je n'étais pas du tout nerveux. Jimmy était si gentil. Nous avons fait la part des choses, nous l'avons filmé. Et puis à la fin, il m'a dit : « Dis-moi si tu veux réécouter les mixes. On veut s'assurer que tu aimes ça. C'était juste amusant d'être là et d'être sur le plateau et d'interpréter la chanson devant un public réel.

Je ne dirais pas que c'était le tournant pour être plus largement reconnu. Je ne peux pas identifier un moment exact où cela a commencé à changer, mais cela a toujours été une sorte de croissance progressive et ascendante, ce que je veux. Je ne cours pas après le succès du jour au lendemain. Je veux une carrière durable. Et donc j'essaie de le construire progressivement et avec intention. C'était une étape sur le chemin.

Une publication partagée par lizzy (@lizzymcalpine)

Au début, j'étais pleinement convaincu que tous les billets avaient été achetés par des robots ou des escrocs ou quelque chose comme ça, et qu'il n'y avait aucun moyen qu'ils se vendent aussi vite. Je n'ai été convaincu que lorsque je suis monté sur scène lors du premier spectacle et que j'ai vu de vraies personnes dans le public. C'était surréaliste.

D'autant plus qu'il s'agit de la deuxième étape du tour plat de cinq secondes, nous voulions le rendre différent du premier tour, donc si les gens viennent pour la deuxième fois, ils n'obtiendront pas la même chose. Et nous voulions également augmenter le niveau de production, car nous avons les moyens de le faire maintenant. Nous avons tout un ensemble. Nous avons des murs et un canapé. Nous avons l'éclairage. Cela ressemble essentiellement à un salon, ce qui était ma conception et je voulais vraiment qu'il se sente intime et intime parce que c'est mon ambiance. J'interagis avec les meubles et les lampes, et je me déplace dans le décor. Je suis presque sûr que la dernière tournée avait juste un tapis sur scène - et c'était tout. Mais c'est tout ce que nous pouvions nous permettre. Cela commence à ressembler à une véritable production maintenant.

Il y a beaucoup de parties difficiles de la tournée pour moi. Ma tasse est déjà assez vide — je n'ai pas beaucoup d'énergie sociale. Le voyage en prend plus, et puis le spectacle en prend encore plus, si bien qu'en fin de compte, chaque jour, je n'ai plus rien. Parfois, c'est facile une fois que je suis sur scène d'entrer dans ce mode de performance. Mais c'est dur pour mon esprit et mon corps par la suite.

Donc c'est dur, mais il y a évidemment des moments amusants. J'aime tellement mon équipe. Mon groupe et l'équipe sont si gentils et si amusants à côtoyer. Mes moments préférés de la tournée jusqu'à présent ont été avec eux.

Une publication partagée par lizzy (@lizzymcalpine)

En même temps que la tournée est d'un niveau supérieur cette fois-ci, cela semble également être le bon moment pour aller chez un label majeur. J'y avais pensé juste avant que cinq secondes chrono ne sortent mais je voulais tenir un peu plus longtemps. Cet album ne semblait pas être le bon album à emmener dans une major. C'était un truc d'intestin. Et maintenant, j'ai l'impression d'être au bord de quelque chose et cette décision de signer avec RCA me pousse définitivement vers cela.

Je veux faire et accomplir beaucoup de choses dans ma vie et ma carrière. C'est un pas vers tous ces objectifs. J'étais prêt à franchir ce pas.

Je travaille sur mon troisième album, et ça a pris beaucoup de temps, mais il est enfin en route. Tous mes albums vont sonner différemment parce que je vais toujours être une personne différente quand je les fais. Qui je suis maintenant penche davantage vers les sons inspirés des années 70 comme Elliott Smith et les Smith et ces types d'artistes. Une grande source d'inspiration pour cet album est Andy Shauf - sa musique est incroyable. Tout comme le son des années 70, live, plus brut et moins accordé et perfectionné. Je veux que le prochain album soit plus authentique. Non pas que mes trucs avant n'aient pas semblé authentiques, mais je penche plus vers un son moins propre, moins poli.

Arlo Parks explique comment la patience, le film et la chute amoureuse ont façonné "Ma machine douce"

Photo: Le3ay

entretien

Après trois ans de préparation, Madison Beer a entamé son prochain chapitre avec "Home to Another One", le premier single de son deuxième album. La chanteuse détaille son parcours "libérateur" pour créer "Silence Between Songs".

À l'ère virale d'aujourd'hui, les personnalités d'Internet ne sont pas toujours difficiles à trouver. Mais ce qui n'est pas si facile à trouver, c'est une personnalité Internet avec une longue durée de vie - et Madison Beer a prouvé qu'elle est plus qu'une star virale éphémère.

Beer a commencé à publier des reprises sur YouTube en 2012, montrant ses prouesses pop et sa voix éthérée à l'âge de 13 ans seulement. Elle a brièvement suivi la trajectoire de la pop star adolescente après que Justin Bieber l'a signée chez Island Records la même année, mais l'a d'abord trouvée. véritable voix musicale sur son premier EP, As She Pleases de 2018. Et une fois qu'elle a pris le contrôle total avec son premier album, Life Support de 2021 – co-écrivant et coproduisant les 17 chansons – elle s'est complètement installée dans l'artiste Madison Beer.

Maintenant sur le point de sortir son deuxième album, Silence Between Songs (attendu le 15 septembre via Epic Records), Beer vise à développer le mélange de vulnérabilité sans faille et de mélodies contagieuses qu'elle a présentées depuis qu'elle est entrée dans la sienne. Elle en a d'abord donné un avant-goût avec "Home to Another One", un morceau aérien qui est un mélange de Lana Del Rey et Tame Impala – deux de ses plus grandes inspirations, dont la première a même donné des commentaires à Beer sur l'album.

L'approbation de Del Rey est l'une des nombreuses raisons pour lesquelles Silence Between Songs est spécial pour Beer, ainsi que le fait qu'elle a de nouveau co-écrit et coproduit chaque chanson. Mais peut-être que l'aspect le plus important du projet est la liberté qu'elle a trouvée au cours du processus de près de trois ans.

"En tant qu'artiste, on nous dit parfois que si nous prenons une pause, quelqu'un vous remplacera, quelqu'un viendra juste derrière vous", a déclaré Beer. "Je ne souscris plus à cela, et je pense que cela a été une chose vraiment libératrice."

Beer a expliqué à GRAMMY.com comment devenir plus ancrée dans sa vie personnelle a inspiré la nouvelle musique et pourquoi, malgré sa renommée en ligne, elle est "en fait assez terrifiée par Internet parfois".

Félicitations pour la sortie de "Home to Another One" et l'annonce de l'album. J'imagine que c'est angoissant parce qu'on ne sait jamais vraiment comment les choses seront perçues. Qu'est-ce que ça fait de commencer enfin à tout sortir?

"Home to Another One" que j'ai fait il y a à peine six mois, c'était donc l'un des derniers ajouts à l'album avant que je ne le rende. Cela n'a pas été un processus d'attente trop pénible comme les autres. Mais je pense que la révélation du titre de l'album a été en fait la plus intense pour moi. Je suis assis dessus depuis trois ans, donc l'avoir là-bas semble assez surréaliste. Mais les réponses des gens ont été vraiment positives et les gens se sentent excités, ce dont je suis très reconnaissant.

C'est un peu un nouveau son pour moi; il a une énergie différente de mes autres chansons. Mais les vrais fans qui écoutent mes interviews ou me voient en tournée savent que mon catalogue musical de choses que j'écoute est assez électrique ou différent ; il n'y a pas qu'un genre que j'aime. Il n'y a rien que je puisse faire qui puisse vraiment les surprendre, car ils savent que j'aime toutes sortes de musiques.

Les titres d'albums, et les titres en général, sont toujours délicats. Dites-moi comment vous avez trouvé le vôtre, Silence Between Songs ?

J'étais très jeune quand j'ai vu pour la première fois un poème ou un livre sur ce genre d'idée. Il s'agissait de quelqu'un qui me manquait, et ça disait "Tu me manques tellement entre le temps qu'il faut pour que la prochaine chanson commence."

J'ai toujours pensé que c'était un concept tellement cool et je voulais faire quelque chose avec cette idée pour mon premier album. Mais quand nous avons commencé à créer l'album en 2020, la chanson "Silence Between Songs" était l'une des premières que nous avons créées, c'était donc le premier titre que j'avais en tête. Nous avons travaillé à partir de cela, et maintenant, trois ans plus tard, cela a une signification appropriée pour moi. J'ai tellement grandi depuis que j'ai commencé à le créer, et l'album parle vraiment de la façon dont vous pouvez grandir en atténuant le bruit.

C'est un témoignage du titre que vous avez gardé pendant trois ans et rien ne l'a dépassé. Comment avez-vous découvert que vous vous installez et que vous éliminez le bruit ?

Décidément, le titre est pour moi non négociable depuis. Mais après une tournée, c'est difficile de décompresser et de s'installer. En fait, j'ai eu du mal à revenir de ma dernière tournée et à revenir à la réalité ; vous êtes tellement occupé, et c'est un tel coup de dopamine tous les jours. Ça a été un peu difficile de me remettre sur pied, mais c'est dans ces moments-là que j'apprends le plus sur moi-même.

Maintenant, je donne la priorité à mon temps seul et à mes temps morts ; Je laisse mon corps se reposer et je ne me sens pas obligé de sortir et de faire des choses tout le temps. Si je veux rester à la maison et me détendre au lit tout le week-end, je le ferai. J'essaie de comprendre et de ne pas culpabiliser pour les temps morts et les temps de repos.

En tant qu'artiste, on nous dit parfois que si on fait une pause quelqu'un va te remplacer, quelqu'un va arriver juste derrière toi. Je ne souscris plus à cela, et je pense que cela a été une chose vraiment libératrice.

Une publication partagée par Madison Beer (@madisonbeer)

Est-ce pour cela que vous vous êtes senti obligé de continuer ?

Je pense que dans le passé, il s'agissait de savoir si les gens avec qui je travaillais ou les gens en ligne ; cette notion qui sera toujours prête à faire plus que vous et à tout faire, et si vous ne l'êtes pas, vous serez remplacé. C'était une vraie peur que j'avais depuis longtemps. Je ne laisse plus cela arriver, cependant. J'ai été viré d'un label et j'ai été remplacé, donc la peur est réelle, et pendant longtemps j'ai eu très peur de ça. Mais je ne le suis plus.

Vous arrive-t-il de vous soucier de révéler trop ou trop peu de vous-même ? En tant qu'artiste, trop peut sembler être un partage excessif ; encore trop peu, vous n'êtes pas totalement honnête. Où est l'équilibre pour vous, et comment l'avez-vous atteint ?

C'est certainement intéressant d'en discuter, car à l'ère des médias sociaux, beaucoup d'entre nous ont cette pression d'être racontables et sympathiques. Mais encore une fois, je ne me mets pas cette pression, parce que je pense que je ne suis pas le genre de personne qui se réveille tous les jours et ressent le besoin de faire une vidéo sur ces choses personnelles. Je suis prêt à le faire quand j'en ai envie, mais je pense qu'il est inauthentique de se forcer à le faire juste pour être aimé. Alors j'essaie de poster quand j'en ai envie. Je pense que mes fans me connaissent et que mes fans m'aiment. Je n'ai pas besoin de gagner le cœur du grand public pour diffuser ma musique et être reçu. Je ne veux jamais me forcer à faire quelque chose que je ne veux pas faire.

"Home to Another One" est un hymne mélancolique avec une panne. Je me demande quelle était la genèse de cette chanson ?

Eh bien, j'ai pensé, "Quel est mon son pop?" Dans le passé, quand j'ai fait des chansons optimistes, elles n'étaient peut-être pas si authentiques pour moi, ou des chansons que je ne monterais pas dans la voiture et que je voudrais écouter. Alors j'ai pensé : "Qu'est-ce que je peux faire qui soit pop et amusant, mais qui reste moi, et qui ne me vende pas pour faire une chanson classée comme optimiste ?"

Quand je l'ai entendu, vocalement, ça m'a tellement rappelé Lana Del Rey. Serait-ce juste de dire?

Certainement. Je suis une grande, grande fan d'elle et j'ai l'impression qu'elle s'est intégrée en moi d'une manière que je ne peux même pas identifier.

Lorsque vous écrivez de la musique, en tant que coproducteur, savez-vous où vos chansons vont aller en termes de style dès le départ ? Quel est votre processus ?

Je suis coproducteur de toutes les chansons, ce qui a été un autre de mes efforts formidables. J'ai la chance de travailler avec mon incroyable producteur Leroy Clampitt qui est prêt, et même désireux, d'entendre mon opinion et veut que je coproduise tout.

Ce n'est pas vraiment calculé, je ne pense pas. Ça coule vraiment. C'est un peu dommage que nous n'ayons pas eu de caméra dans la pièce pendant le tournage, parce que j'étais vraiment impliqué dans chaque son que vous entendiez. Ma relation avec Leroy est vraiment spéciale parce que je peux faire un son comme mmmmm et il comprendra ce que je veux dire. Tout est très minutieusement planifié, mais ce n'est pas du genre "je veux ce type de synthé". On a laissé couler la chanson. et construire au fur et à mesure.

De nombreux artistes sont crédités en tant que co-auteurs de chansons, mais peu sont crédités en tant que coproducteurs. Pourquoi était-ce important pour vous d'être crédité en tant que coproducteur sur vos propres morceaux ?

Travaillant avec le même producteur depuis plus de cinq ans maintenant, j'ai l'impression que je peux exprimer mon opinion et que ce n'est pas bizarre. Leroy est celui qui a eu la gentillesse de dire qu'il pensait que je devrais obtenir un crédit de coproducteur. Il a dit: "Tu as fait autant que moi." Toutes les idées viennent de moi et de nous, et nous faisons tout ensemble.

Votre premier album est sorti il ​​y a quelques années et vous avez commencé à travailler dessus en 2020. Pourquoi un si long processus ?

Ce n'était pas censé l'être. Le temps vous échappe, et je suis définitivement retourné en studio plusieurs fois pour refaire des choses et monter. Nous avons eu plusieurs tests de pressage du vinyle, et plusieurs fois j'ai pensé qu'il était terminé, puis je l'ai remis en place.

Je ne sais pas, j'ai l'impression que c'est comme ça que je suis. Je ne suis jamais vraiment trop satisfait. Mais mon objectif maintenant est d'essayer de sortir un album dans l'année qui vient après celui-ci. Je veux entrer dans le rythme de laisser tomber la musique plus fréquemment et ne pas prendre d'écart de trois ans entre chacun d'eux.

Vous avez une empreinte Internet si massive, avec 34 millions de followers sur Instagram uniquement. Un tel suivi est-il un cadeau ou un fardeau ? Comment gérez-vous cela dans votre esprit en sachant que vous pouvez décrocher votre téléphone et publier quelque chose pour un public de millions de personnes ?

Je gagne régulièrement des fleurs depuis 12 ans, donc c'est quelque chose qui ne s'est pas produit du jour au lendemain pour moi. Il y a une grande différence dans la façon dont je m'y prends maintenant par rapport à il y a quelques années. Je ne me force pas à être engagé tout le temps ou à publier tous les jours.

En fait, je suis parfois assez terrifié par Internet. La façon dont ça bouge peut être vraiment effrayante et je pense que nous ne nous laissons pas la place de faire des erreurs humaines. Si j'exprime une opinion en ligne ou si je veux dire quelque chose, ce n'est pas que je me fiche de ce que les gens en disent, mais je sais que mes intentions le sont. Je ne vais jamais plaire à tout le monde et plaire à tout le monde, mais je sais quand je veux parler et partager, c'est authentique et ça vient d'un bon endroit.

Kesha révèle les 10 chansons les plus importantes de sa carrière, de "Tik Tok" à "Eat The Acid"